一座城市的文化软实力，总在博物馆、美术馆与剧场、图书馆之间显现。不知从何时起，“来上海看美展”慢慢的变成了市民美好生活和游客体验上海的优选。无论是博物馆里丰富、浩瀚的历史珍存藏品，让人们直观且动情地意识到中华文化的璀璨多姿，恢宏浩渺，抑或是各大美术馆中精彩纷呈的艺术展览，古今中外，远至宋元时期的艺术珍品，近到现当代艺术大师的经典之作，在上海大大小小的美术馆中，观者都能寻找自我的“心头好”，花上一整天的时间，来进行一次既可远及古代，又能穿越未来的艺术之旅。
近日，《上海美术馆发展年度报告（2021）》正式对外发布：2021年上海市美术馆数量达到96家，与2020年相比，净增加7家美术馆，再创历史上最新的记录，稳居全国城市首位，全年举办展览950项，公共教育活动3953项，接待观众621万人次。
放眼全球，与纽约、伦敦、巴黎等国际知名文化城市相比，上海美术馆的质与量近几年呈显著上升趋势，差距不断缩小中。沪上美术馆推出的展览内容涵盖古今中外，体现文化引领作用，彰显多元丰富的文化视野，是城市文化蒸蒸日上的缩影。
近年来，美术馆立足各自学术定位与资源优势，精心策划特色主题展览，并结合线上、线下，同步展出，着力打造“来上海看美展”文旅品牌，助推提升城市软实力。除此之外，配合每次展览推出的周边产品、文创项目，以及讲座、导览、工作坊、放映、表演、亲子活动、读书会、在线直播等，更是大大丰富了上海美术馆群体的可看性与学术性、普及性，扩大了社会效益与关注度，美术馆已经从单纯的展示空间成为文化体验和社交场所，并不断打破固有空间的局限，进一步体现出场馆植入社区、艺术融入生活的发展趋势。
不仅如此，申城美术馆与国外重要艺术机构密切合作，探索开创新的合作机制——西岸美术馆与蓬皮杜中心的五年展陈合作；东一美术馆与意大利乌菲齐美术馆联合，将从2022年起5年内呈现10场来自乌菲齐美术馆馆藏的重大艺术展览……国外艺术机构针对中国观众的审美需求，带来特别策划项目，在当前疫情的形势下，能够不出国门在家门口欣赏世界级艺术大师作品。除了国际级的艺术展览长年在上海落户，也有不少美术馆立足本土，深入研究海派百年艺术的发展脉络，从海派巨擘吴昌硕到活跃在当今画坛的艺术新青年群体，分别以海上几代艺术家的个案研究与群体展示，书写着海派美术的常与变，也充足表现出美术馆界的文化自觉与文化自信。
值得一提的是，作为上海最重要的美术机构之一，中华艺术宫（上海美术馆）今年将迎来启用新址10岁生日。新的起点上，该馆将实施“大美术馆计划”，通过合纵连横，整合资源，打造海派美术新殿堂和城市“艺术大客厅”，无疑将为今后的美术展览，打开一扇全新的大门。更令人深感，做强文化“码头”的同时，更应激活文化“源头”。
疫情趋于平缓，文艺辄待复兴。近来，不少质量高、影响大、布展精的艺术展览，陆续在上海各大美术馆隆重登场。其中，在程十发美术馆举办的“2022上海油画作品展”颇具影响，堪称一次海上油画艺术的大检阅。作为两年来上海乃至长三角地区油画创作成果的一次大集结，“2022上海油画作品展”为全力打响“上海文化”品牌赋能。
众所周知，上海是中国油画的摇篮，百多年来涌现了一大批在全国有着重要影响力的美术大家，产生了大量反映社会持续健康发展和人民生活的优秀作品，为上海美术事业的发展奠定了深厚根基。在向第二个百年奋斗目标奋进的新征程上，用当代的油画语言表达中国的人文精神，用情用力讲好中国故事，向世界展现可信、可爱、可敬的中国形象，是新时期油画家们的使命。
此次展览，以《在延安文艺座谈会上的讲线周年为契机，鼓励引导广大美术家和美术工作者融入时代、扎根人民，从主题创作出发，在关注城市建设、城市生活、城市人文中深化对艺术本体的研究和探索。老中青三代油画创作者的130余件作品，以多元多样的风格题材展现出强烈的文化自信和时代担当。对此，上海市美术家协会顾问、知名油画家周长江评价，此次展览的特点，恰在于“每个人一张脸”：“入展作品有着丰富的面相，从中能够正常的看到创作者丰富而多样的个性特点，可以说，真正反映了这个时代的面貌，展览让每一个人的艺术个性和创造性都能得到一定效果发挥，不是某一种流派，而是各种风格的并立展现。”
老一辈的油画名家在此一展芳华——王劼音的《清闲小景》、周长江的《构图》、姜建忠的《江南古宅》、魏景山的《丝绸之路》……在展厅中依次铺陈开来，扑面而来的生活气息传达着城市温度，全景式展现了新时代的精神气象。而年轻一代，特别是长三角地区青年美术家创作的新作，更是令人眼前一亮。“我认为这不单单是一次展览，包括上海艺术大展在内的历届展览，对于青年艺术家的关注，对于长三角一体化的推进，始终是上海美协一项非常重头的工作。”上海市美术家协会副主席殷雄说，“长三角地区在文化上一脉相承、彼此相通，上海有能力也有责任，在推进长三角艺术家充分聚集与深入交流方面承担更多工作。通过相互学习和相互激励，可以更有效地发挥我们自身的艺术特点，同时也把兄弟省市最好的东西引进到上海来，为全力打响‘上海文化’品牌积极赋能。”
周长江也强调：“所谓‘后浪推前浪’，知道后浪在哪里，时刻让自己保持不断前行的状态，才能在艺术上长青。因此，无论新老艺术家，保持艺术的‘新鲜感’，以及强调‘时代性’，最为要紧。好的创作必须要有新的、时代感的内容。在具体表达上，是否充足表现出油画的本体语言。无论作品风格如何，具象还是抽象，关键是要看作品是否有个性的、风格化的呈现，这也是画家不断成熟的标志。”
如果说高质量的当代艺术家群体亮相，展现上海文化的一座座“高原”，那么，今年下半年，两位大师级的艺术家——连环画家贺友直与国画家陈佩秋的百岁诞辰纪念展，则无疑体现了上海文化超迈“高峰”的气度与实力。近日，隆重且充满学术性的百年纪念艺术展览、高峰论坛、纪念文集与大型画册等，都在积极筹备与制作之中，令人期待。
在近代美术史上，连环画是不能不提的一笔。上至、鲁迅等伟人，下至识字不多的普通百姓，几乎都对这一喜闻乐见的艺术样式投注过关注与喜爱的目光。可以说，连环画是现代城市通俗文化的代表，也是海派市民文化发展的一个形象见证。上海，当然也是连环画创作者的摇篮和天堂——中西文化的交汇、市民文化的兴盛、思想眼界的开阔，都是产生连环画“伟大画手”得天独厚的条件。其中，贺友直先生无疑是最具代表性的艺术大家之一。
尽管成就斐然有目共睹，可贺老却总是谦虚地自称“我自民间来”。他的青年时代，干过小工，做过教员，还当了几个月的青年军，受过冻、挨过饿，更因在当学徒时忘带防疫证，被日本鬼子扇过一个巴掌……前半辈子真是颠沛流离，苦不堪言。直到1949年新中国成立后，他创作了第一部连环画《福贵》开始，就与连环画结下了一生的缘分。60多年来，他长长短短画了八九十部连环画，作品过万幅。其中，《火车上的战斗》获1957年全国青年美展一等奖，《山乡巨变》《白光》分获全国第一、二届连环画创作评奖绘画一等奖，并有作品先后在法国、挪威、意大利、瑞士参加国际性连环画展。1981年，他成为中国第一位连环画专业教授，空前绝后。也正因此，贺友直先生被当之无愧地誉为“故事圣手，白描泰斗”。
很少有贺友直这样的老人，表面顽固，甚至还带着那么点子倔强，然而，骨子里却是真正看明白了一切，才可以如此云淡风轻地生活在上海这片吞云吐雾、瞬息万变的城市之中。说他倔，是因为他懂得“孰可为，孰不可为”，能做到这一点，正如贺老自己所说的那样，明白自己，明白环境，明白事理。说来容易做时难，来自民间的贺友直，在90多年的人生历程中，经历了无数艰难困苦，方才能有这般大彻大悟的智慧之语。贺友直最讨厌自己被称为“大师”，坚称自己是一个“大俗人加匠人”。 在他的晚年，曾经风靡全国的连环画日渐式微，可贺友直并没有与大多数同行一样，转向吃香的、能挣大钱的中国画，这一看似简单的“转型”，在他，就是无法逾越的鸿沟。这不是保守，也不是顽固，更非守着“连环画的贞节牌坊”，对于贺友直而言，他只选择他所能完成好的，而决不混迹于其他队伍之中滥竽充数。“侬一尺几钿？笑话！我又不是卖布头的！”这是贺老对自我艺术的负责，更是对个人操守的坚持，在今天一切向钱看的环境下，贺友直的执著、倔强，是多么值得令人尊敬。
事实上，贺友直并非不能画中国画，他的《白光》《小二黑结婚》，都是运用水墨大写意技法创作而成的精品之作。因此，问题的关键并非技法，而是内容。这也牵涉到了连环画艺术的局限性。贺老曾经谈起过这一问题，连环画之所以缺乏生命力，很大的因素就在于此，它缺乏原创性，也没有属于自身个人的技法，国画可以，油画也可以，素描可以，线描亦可以……不仅如此，所有的创作都要依靠脚本，无法脱离故事内容独立成幅。因此，可以说贺友直所面临的困境，恰恰就是连环画在发展过程中所遇到的最大障碍。
对于这一点，贺友直晚年越发看得通透明白，但他并不因此而放弃从事一生的线描艺术，单幅的国画无从下笔，却并不妨碍其运用纯熟精彩的线描，描绘老上海风情人物。因此他被华君武先生戏称为“曲线救国”“起义将领”，在许多书籍、刊物上画了大量白描插图、漫画与风俗画，精彩依旧。这一切都源自于贺老一双善于观察的眼睛，以及长期以来生活于俗世之中的一颗大爱之心。“我们画画的人毕生追求的就是发现和区别，未曾发现就没有创造，没有区别就没有独立性。跟人家一样，缠在人家队伍里，没啥意思。”一旦对自己有了清醒的认识，遇到任何不顺心的事就都可以摆脱了，这也就是所谓的“知足常乐”。
贺友直的艺术，始终来自生活，真实、真切、真情，一个“真”字，令人难忘。同样具有这种真诚品质的，则是与之同年的国画大师陈佩秋先生。
青山白云，杂花生树，老干新姿，健碧缤纷……无论从哪个角度来欣赏，陈佩秋先生的绘画无疑都是独树一帜的，从重彩工笔，到泼墨写意，乃至逸笔草草，都别具风韵，表现出她是一位独特性格的画家。熟悉她的人都知道，老人早年曾以山水为起点，上世纪50年代后专攻宋元风格的花鸟，画风浓丽秀美，格调委婉含蓄。80年代一度转向水墨大写意，并在行书、草书领域开拓创新。90年代开始，她又着力探索细笔青绿山水，并大量吸收西画光、色的表现技巧，别开生面。
无论从创作的题材还是表现的技法上来看，陈佩秋先生的书画艺术都是高华独具，绚烂辉煌的。数十年来，她细心钻研传统书画的笔墨元素，并结合西方绘画的色彩运用，为传统绘画在现代艺术发展的道路上做出了独到的诠释与定位，创出了一片新天地。她的花鸟取法两宋，用工笔双勾，赋以重彩，把中国绘画传统技法和真实的生活结合起来，使这种传统技巧有了新的发展，呈现出新的特色，从早年的《天目山杜鹃》《九月海棠》到之后的《幽泉山鸟》《柳荫白鹭》无不体现了中国传统绘画“应物象形，气韵生动”的艺术特点。而她的山水常用墨彩写意的笔调，写出淡雅简远的意境来，如果说《雪江垂钓》尚有着追摹古人的痕迹，那么到了《杂花生树》《高天春水》等作品，已然是将传统、自然与印象派色彩融为一体，浑然天成，大气磅礴。而她的书法艺术，从年轻时代临摹倪瓒几可乱真，到后来参怀素、张旭笔法而创新格，直至耄耋之年人书俱老，洗净繁华，复归质朴，雍容大气……近80载的艺术探索，耕耘收获，直至晚年，陈佩秋的书画艺术光华灿烂，大气天成，开创了一代新风。